Se le llama Barrido o Panning a la técnica de enfocar un sujeto en movimiento, y desenfocar el fondo estático.

Buenos ejemplos de esta técnica los puedes encontrar en cualquier deporte, normalmente en carreras de vehículos, aunque también de otras especialidades.

Aprovechando que el otro día fue el Barcelona Harleys Days estuve probando esta técnica de los cuales saqué las siguientes conclusiones para hacer un buen barrido:

A nivel técnico:

• La cámara en modo manual. La velocidad de obturación a 1/80 o superior, dependiendo de la velocidad del motivo. Menos velocidad es probable que te salga movida.
• Se requiere teleobjetivo, corto o largo, pero cuanta más focal, mejor.
• El modo disparo en AI Servo para ir enfocando continuamente, aunque esto es un poco libre, pues en este modo de disparo el motivo te quedará centrado en la foto y quizás no es lo que busques. Con el autofoco normal puedes preenfocar en un punto y disparar cuando el sujeto aparezca en ese punto.
• El ISO bajo
• El número de diafragma bajo. No hasta el tope pero sí bajo, ello permite desenfocar más aún, el fondo, pero cuidado con la nitidez.
• Prepara el disparo en ráfaga listo, por si acaso.

Para a quien le pueda interesar, todas las fotos de esta entrada se dispararon con una Canon 7D y un objetivo 24-70mm f2.8, a mano alzada, sin trípode.

A nivel compositivo:

• Que el barrido te quede bien no significa que la foto sea espectacular. Hacer una fotografía a un autobús, y que este aparezca nítido, por poner un ejemplo, tiene poco atractivo.
• La regla de composición para los barridos dicta que el motivo no debería no aparecer centrado en la foto, pues le da un aire aburrido. Lo normal es que haya más aire por delante que por detrás del motivo.
• Lo importante en fotografía de barridos -considero- es el vehículo, no el piloto
• Aunque no siempre es posible, intenta combinar el barrido con La regla de los tercios. La foto que encabeza esta entrada se acerca bastante a esta regla.

Puedes ver algún barrido más y más fotos en el set Harleys Days 2012.

Para fotografiar fuegos artificiales sólo requiere que tengas dos cosas: una cámara y un trípode. La cámara debería ser réflex aunque alguna vez lo he probado con una compacta y los resultados no están tan mal.

Los parámetros ideales para la cámara:

Que tenga el disparo a distancia o bien cable disparador o bien disparo retardado de dos segundos o más activado. NUNCA, en este caso, usar el dedo para pulsar el disparador de la cámara.
La cámara debe poder mantener una exposición larga, de dos segundo mínimo, hasta donde quieras, eso sí: cuidado con la cantidad de luz ambiente que entra en el sensor.
El ISO lo más bajo posible
El diafragma con una apertura media. Con una ‘f’ muy baja aparecerá el fondo poco nítido. Muy alta perderemos definición y necesitará mayor cantidad de luz.
El objetivo ideal es disponer de un gran angular pero depende más de la posición del fotógrafo respecto a los fuegos artificiales.

Los parámetros del fotógrafo:

Si no dispones de trípode usa cualquier cosa -incluso el techo de un coche, siempre y cuando no esté el dueño y no lo rayes- para aguantar la cámara.
Conoce bien la zona para estar preparado. Si no has estado antes mira las páginas del ayuntamiento y ayúdate con un mapa de Google maps.
Ten tres cuidados con la cámara si te la llevas a la playa: 1)cuidado con los chorizos -ladrones-, 2) cuidado con el polvo que levantan tropecientas mil personas 3) cuidado con la arena que se filtre en las patas del trípode.

Intenta ser respetuoso con los demás y no tapes la vista a nadie. Lo ideal es tener una estructura o edificio justo detrás y llegar el primero, de manera que nadie se pondrá detrás de ti.

Algún truquillo:

Deja la cámara con una exposición bien larga y entre fuego artificial y fuego artificial pon la tapa del objetivo delante del objetivo para que no pase tanta luz.

Esta foto se ha tomado con 30 segs. de exposición

Si tienes la oportunidad, usa el agua como superficie reflectante:

El sábado pasado, 2 de Junio, tuve mi primera experiencia “pofessioná” al hacer fotografía de producto. El producto consistía en fotografíar diferentes “displays” -estanterías que promocionan productos, en farmacias, boutiques de estética, etc- y cosas parecidas, para fotografía documental, inventario y catálogo. Lo que vengo a escribir aquí es mi opinión sobre el conjunto en general.

Como todas las cosas, antes de hacer un trabajo, debe haber un listado de requisitos para dar una solución. Es como hacer una tortilla: Se necesitan los ingredientes, algo para procesarla, hacerla y el resultado final.

El presupuesto

El presupuesto se basó en la cantidad de fotografías por producto, más el alquiler del estudio. En este caso se planteó 10 fotos para 16 displays. Aquí el precio, cada uno es libre de darlo: Yo lo puse -relativamente- bajo ya que no soy un profesional especializado en este sector. Todo en la línea legal, con facturación, IVAs, etc…

El estudio

El alquiler del estudio vino de la mano de Sergio Vico, contacto de un conocido de un conocido… en su estudio de Badalona, que nos lo alquiló a un precio razonable por 6 horas y asistencia por su parte. Me hubiera gustado hacer una foto del estudio, pero 1)no la hice y 2)no estoy seguro si a Sergio le hubiera gustado que la publicara. El plató era pequeño pero para esta tarea no se requería más, con fondo blanco.

La sesión

La sesión tuvo una duración de las 11 de la mañana hasta las 18:00 y poco, con dos horas para comer. Además, entre el traslado de piezas del camión al estudio y la preparación de la cámara, trípode, etc, las primeras fotos no empezaron a salir hasta las 12 en punto.
La cámara empleada fue una Canon 7D con un objetivo 24-70 f2.8. En su gran mayoría con trípode, salvo las últimas, donde el tiempo apremiaba. Creo que para este menester es más que suficiente. La cámara estaba sincronizada con un portatil vía cable largo USB, de manera que cada foto podía verse en el portátil casi al momento.

La iluminación

El esquema de luz fue siempre el mismo: Una sola luz, octogonal y muy grandre desde arriba de la cámara a una potencia de 4.1 a 6 -aquí fui experimentando, pues hubieron reflejos (malditos reflejos!), uso de polarizador, que reducía la luminosidad…-.
El esquema de iluminación tal como fue:

Fue un esquema sencillo pero funcional. En ocasiones se usó algunos paneles blanco para eliminar ciertos reflejos y en otras ocasiones se rebotó la Octogonal para que la luz rebotada fuera más suave. A veces ni así pudimos eliminar el reflejo y optamos por girar el objeto ligeramente. Habría probado otros esquemas si hubiera tenido más tiempo.

La postproducción

Toda la postproducción se hizo con Lightroom. Principalmente los retoques consistieron en subir la exposición -los fondos grises no son bonitos-, mejorar el contraste, alinear la fotografía con la línea de horizonte -reencuadrar- y luego, en algunos casos, eliminarla con la herramienta clonar.

Conclusión

Al final hubo más productos de los que pensaba y menos fotografías entregadas… En realidad hubo muchas fotografías (cerca de 300 y pico) pero también hubo mucho descartes y fotografias repetidas. Es un trabajo interesante pero requiere paciencia y ganas que, sin prisas, puede ser muy instructivo.

Cosas incorrectas, críticas y miscelánea

Hay que añadir que hubo algunas cosas que no se ejecutaron correctamente, como por ejemplo no hacer la foto a la carta de color, ni tener el monitor donde edito las fotos calibrado. Y tampoco le dediqué el tiempo necesario para buscar fotografías de referencia -ahora que sé cómo funciona todo esto, estoy seguro que habría ido con una idea y unos encuadres más acertados-.

Se aceptan críticas -buenas y malas-, comentarios, tiradas de trastos a la cabeza…

Si no te quieres dejar dinero en un objetivo de tipo Lens Baby estás de enhorabuena: Hay un remedio casero y barato que te puede funcionar, sólo necesitas vaselina y un filtro UV.

Filtro con la vaselina aplicada

¿El resultado? Puedes verlo a continuación:

Puedes ver más resultados en una búsqueda en Flickr

Eso sí, ve despidiendote del filtro para sólo usarlo en de esta manera. Para hacer la mezcla puedes servirte del siguiente vídeo, que no parece muy profesional pero se entiende perfectamente sin audio (a partir del 1’53″):

NUNCA lo apliques directamente sobre el objetivo.

En Hongkiat publicaron no hace mucho un interesante tutorial: How to Colorize Old (Black & White) Photo, con photoshop, cuyo objetivo es pasar una fotografía de blanco y negro a color en el que te puedes bajar la imagen de muestra y seguir el tutorial. Desafortunadamente, no hay imagen de muestra, pero creo que cualquier fotografía que dispongas en blanco y negro, puedas encontrar en la red o incluso que puedas pasar tú a blanco y negro servirá.

Aunque creo que la técnica que usan en el tutorial es un “tanto” artística, es interesante por si tienes fotografías antiguas, de tus antepasados o para aprender a usar photoshop con las selecciones, capas y colores.

Los pinceles de photosohop son una herramienta interesante a la hora de manipular imágenes. Igual te pueden servir para eliminar imperfecciones de la piel como para añadir rayos de sol o texturas a tus fotografías.

En 40 Best Photoshop Brushes To Use In Photo Manipulations encontrarás kits de pinceles pensados para la fotografía y para sus manipulaciones.

En algunos de los pinceles vienen acompañados instrucciones para instalarlos, en inglés, pero en este vídeo también te servirá para instalar pinceles en CS5.

Los pinceles de photoshop es un mundo del que se podrían escribir libros enteros, por ello mismo, en un futuro no muy lejano, espero, escribiré más en detalle sobre este interesante aspecto y cómo te pueden beneficiar a la hora de mejorar tus fotos.

¿Sabes la típica foto que tiene algo pero que no es suficiente para ser buena? a mí me ha pasado más de una vez. Para ello, quizás estas tres ideas te inspiren:

1.- Desatura selectivamente

Puedes ver un tutorial para photoshop y otro para lightroom 2 en youtube.

2.- Añade niebla artificial

Una fotografía con niebla le da un aire de misterio y misticismo. Quizás te pueda interesar si crees que tu fotografía cumple para podérsela añadir.

Imágenes del sitio Photoshop Tutorials, en donde podrás encontrar el tutorial en Fog | Photo Effects

3.- Juega con la doble exposición

Considero que es una fotografía fácil de realizar, ya que se puede modificar en la postproducción.

Si quieres más info puedes ver más en La Multiexposición, del que ya había hablado antes.

Fotografiar la luna tiene su mérito: Es la única luz que asoma de noche, con lo que si se busca el detalle de la misma el resto de la foto te quedará oscuro. Aprovechando que el próximo 5 de mayo se preveé una luna enorme, es un buen momento para algunos consejos:

La recomendación focal es de entre 200 y 300mm. Para llegar a ello, con un objetivo zoom largo o un tubo con extensión se puede conseguir.
Necesitarás dos exposiciones: Una, con una velocidad rápida, para fotografiar el detalle de la luna. La otra, con una velocidad lenta, para fotografiar el contexto que le rodea, como la montaña o la ciudad. Luego, en el postprocesado habrá que unirlas.
El trípode es necesario.
Usa el The photographer Ephemeris, herramienta para conocer la posición y tamaño del sol y la luna en un sitio y momento determinado. Ya había hablado antes en The photohgrapher’s Ephemeris.

Quizás sea un buen momento para alquilar -y de paso probar- algún objetivo.

Visto en AltFoto | Consejos para fotografiar la Super Luna del próximo sábado

Si tienes un flash pequeño, portátil, de mano, sabrás que el principal uso es colocarlo en la zapata de la cámara e iluminar. Pero si dispones de tiempo y de una forma de disparo remota podrás sacarle un poco más de uso:

El flash congela el movimiento

Las gotas de agua al caer sólo pueden ser fotografiadas si hay un flash cerca. No es necesario tocar parámetros de la velocidad de obturación. Al menos, de momento.

Velocidad de obturación 1/160, f9.0, a 55mm, flash disparado remotamente

Velocidad de obturación 1/125, f7.1, a 55mm, flash disparado remotamente

Se puede observar claramente que la fotografía no está movida -en la primera fotografía se usó un trípode, en la segunda no-. Ambas fotografías, hechas por un servidor en sus inicios, representan claramente lo del “la luz congela el movimiento”. De hecho, esta parte aún se puede estirar un poco más jugando con las cortinillas pero esa parte la trataremos en otro momento.

Retrato con fondo oscuro con tu flash

Desde mi punto de vista este método es un poco más complicado que el anterior pues el anterior va implícito en el disparo pero éste hay que configurar algún parámetro más para conseguir este reto.

1.- Hay que conocer La velocidad de sincronización entre tu flash y tu cámara. Y llevarla a la máxima velocidad que te permita sin que aparezcan las dichosas cortinillas.
2.- El ISO lo más bajo posible
3.- La luz -puntual- lo más cerca y/o más potente posible
4.- Trabajar en exteriores o en lugares donde la luz no rebote o rebote muy poco -si la luz rebota puede mostrar zonas del fondo que no interesan-.

Esta fotografía contiene halos, aunque casi no se percibe. Más adelante los verás

Ayer me puse a trabajar en un foto tomada en semana santa, con un cielo nublado precioso, muy claro y un suelo muy oscuro. Al intentar igualar las dos zonas se produjo, entre el borde de las montañas y el cielo, los malditos halos:Se trata de zonas cuyo contraste y/o iluminación es diferente al que tendría que ser, normalmente se ve en los bordes, consecuencia de una mala selección.

En la fotografía que inicia esta entrada, tomada por mí hace un par de años, si se hace un recorte se ve lo siguiente:

Si te fijas, los edificios tienen un halo muy pequeño -me esmeré mucho para reducirlo- alrededor. También tiene otros defectos, como las aberraciones cromáticas, pero ya lo trataremos más adelante

Volviendo a la fotografía de ayer, si el primer error fue una mala selección de los bordes, el segundo fue trabajar con lightroom, que aunque en general va bien para ajustes rápidos, photoshop ofrece una suite de herramientas más versátil para estos menesteres.

Vayamos por pasos: El tratamiento por zonas o contraste por zonas o trabajar las zonas en modo local consiste en aplicar ciertos ajustes, de exposición, de iluminación y color sobre una determinada zona. Es decir, primero, se identifica qué zona hay que tratar y luego se aplican los ajustes necesarios.

¿Qué pasa cuando se trabaja mal una zona o está mal seleccionada?

Se producen los halos, lógicamente. Es muy fácil de percibir en las fotografías HDR, los bordes de las cosas suelen tener una iluminación diferente. A la fotografía “normal” también le sucede cuando los contrastes entre zonas son muy altos. Esto también sucede cuando se aplica la nitidez por paso alto y en general cualquier forma de automatismo de HDR. En Halos al aumentar el contraste local puedes ver cómo y por qué suceden estos problemas.

Fotografía en HDR, si te fijas, alrededor del edificio hay una especie de neblina blanca que lo rodea. Es un halo producido via software.

¿Cómo corregir los halos?

Leyendo y documentándome José María Mellado, en su libro de Fotografía de Alta Calidad, propone dos métodos, ambas con photoshop:
1.- Hacer una selección con máscara rápida y luego aplicarle un desenfoque gausiano a la máscara.
2.- Usar las opciones de máscaras de capa, como desvanecer y similares.

De todas maneras no nos quedemos solamente con lo que nos dicen los maestros. Internet está lleno de creatividad y de soluciones. Buscando un poco más se puede encontrar múltiples soluciones para el mismo problema. Eso sí: Antes, conviene saber y aprender sobre el uso de máscaras de capa.

Si no puedes con él, alíate

El único momento en que un halo te puede ayudar es cuando quieres resaltar el motivo de la fotografía. Pero hay que hacerlo concienzudamente, no dejarlo como error porque entonces no queda bien.

Total:

Si hay que retocar una foto con el contraste por zonas, mejor photoshop que lightroom. Además de conocer las herramientas de selección y el uso de máscaras por capa. Creo que si se dominan estas tres premisas se puede conseguir unas fotografías más que decentes.